唄と舞と
人は音とともに動き、動きの中で音を感じてきました。
世界の多くの文化において、音楽と踊りはもともとひとつのものとして生まれ、関係を保ちながら洗練されてきました。
たとえ現在、分離して高度に発展した西洋のクラシックバレエであっても、その起源には拍と動きが密接に結びつい宮廷舞踊があり、音楽と踊りは切り離すことのできない関係にありました。
日本ではどうであったのでしょうか。
明治期以降、西洋の影響を受ける中で、音楽と踊りの分離は次第に顕著になります。
歌舞伎 から独立した 長唄 の楽曲が、「音楽」として親しまれるようになったのもその一つです。
しかし一方で日本には、それ以前から、箏や尺八のように、踊りから離れて音楽そのものを味わう文化も存在していました。
つまり日本は、音楽と踊りの「分離」と「一体」の両方を内包してきた文化だと言えます。さらに言えば、箏や尺八は、西洋的な意味での“音楽のための楽器”として生まれたものではなく、宗教や身分制度を背景に、日本において音と身体の関係が単純に分かれきらなかった一因と言えるかもしれません。
ではその両立を可能にしてきたものは何か。
多くの研究者が指摘するのが「間（ま）」という感覚です。
建築、書、茶道、生け花、俳句、そして音楽。
時間や空間を扱うあらゆる営みにおいて、日本文化は「間」を表現してきました。
音を奏でるときも、舞を舞うときも、人はその「間」を感じている。
だからこそ、音楽と踊りが分かれても、その関係が完全に失われることはなかったのです。踊りを舞っていても、音楽を奏でていても、受け手はそこに「間」という共通の感覚を見出すことができます。
日本語を話すこどもたちが、長唄を唄うことにどこか自然さを感じるのも、言葉の中にある「間」を共有しているからかもしれません。
その「間」をすでに身体で感じている子どもたちが、日本舞踊に出会ったとき。
正座をして長唄を唄うことに心地よさを見出している長唄クラブの子どもたちにとって、舞うことは決して遠いものではないはずです。
拍と間
見えないところに拍を感じ続けること。
それは西洋音楽において欠かせない前提です。
音が鳴っていない瞬間にも、拍は途切れることなく流れています。
教会の鐘が空間に響き続けるように、時間は常に動き続けている。
その流れの上に音楽が乗り、その上に身体が動きます。
クラシックバレエの動きが円を描き、途切れることなく続いていくのも、この“流れ続ける時間”の中に身を置いているからです。
一方、日本の音楽は、同じ時間を別のかたちでとらえています。「間」といった音と音のあいだに現れる余白や気配としての時間です。
寺の鐘のように、音は響き、やがて静かに消えていく。その現象をそのものに「余白」として意識が向けられます。
舞もまた、流れに乗り続けるのではなく、一つひとつの動きが「点」として現れます。その一瞬がかたちになる。
西洋の音楽が、拍によって時間を“流れ”として捉えるのに対し、
日本の芸能は、「間」に時間を“立ち現れるもの”として感じる。
その違いは、音楽と身体の関係の違いでもありながら、どちらも見えない時間を感じ取ろうとする営みです。
唄と舞の体験は、日本の「間」に基づく音と身体の関係に触れていきます。
長唄を唄う子どもたちにとって、見えない時間の流れや間を感じ、身体で受けとめることは、理解を超えて、表現を深めていく大切な学びとなることでしょう。